BETTE DAVIS E A MÁQUINA DE COCA COLA, 10/12/2012

Muito interessante a peça. O texto de Jo Bilac e Renata Mizhary, é um baita pretexto para os atores, entre eles, meu querido Cesar Amorim, brilharem. A direção do Diego Molina, também preenche superbem, as vezes, com humor negro, as vezes com um humor débil (a cena do coelho é maravilhosa, assim como a cena final do tearo contemporâneo e o monólogo interminável da atriz (excelente, aliás e muito, mas muito parecida no jeito e no humor, com a Camila Nhary), com uma variedade grande de estilos. Lembra o humor do "Quantos atores cabem num fusca?" que nós fizemos entre 2004 e 2006. O Diego Molina tem com o Cesar Amorim, uma relação diretor/ator rara e importante de se preservar.

Figuras Amarelas, 30/10/2012

Domingo, finalmente entendemos o que é um espetáculo para aquela faixa etária de 0 a 3 anos. FIGURAS AMARELAS, além de ser um lindíssimo espetáculo de dança contemporânea, baseado na obra dos Gêmeos (artistas plásticos/grafiteiros paulistanos e cosmopolitas), é de uma força impactante para com esses pequenos pimpolhos a quem chamamos bebês. Os meus gêmeos "enlouqueceram" e, durante quase toda a apresentação eles dançaram junto, rolaram no chão, quicaram na cadeira e no final aplaudiram muito e quiseram muito subir no palco. Não sei o que entenderam ou apreenderam daquela experiência, mas sei que temos ido muito ao teatro e apesar deles adorarem, em nenhuma das vezes que fomos eles interagiram tanto.

O banqueiro anarquista, 23/03/2013

- Meu amigo, eu já lho disse, já lho provei, e agora repito-lho... A diferença é só esta: eles são anarquistas só teóricos, eu sou teórico e prático; eles são anarquistas místicos, e eu científico; eles são anarquistas que se agacham, eu sou um anarquista que combate e liberta... Em uma palavra: eles são pseudo-anarquistas, e eu sou anarquista. E levantamos-nos da mesa. O "Banqueiro anarquista", em cartaz no Teatro Serrador é um conto, com ares de filosofia com estrutura estática platônica, escrita pelo gênio da literatura portuguesa Fernando Pessoa, transposto para o teatro com grande habilidade pelo Fernando Lopes Lima, o Fernandão. Uma grande ironia do Pessoa, que cria um diálogo situado em um ambiente desembaraçado num destes clubes tradicionais, costumeiramente alheios aos debates intelectuais ou políticos. Depois de um jantar, um banqueiro rico emaranha, com o seu raciocínio complexo e paradoxal, um ingênuo e servil interlocutor. A partir daí, o que se vê é uma lição iconoclasta e de extrema ironia sobre o que este banqueiro julga ser o verdadeiro anarquismo, do qual se declara inventor e partidário fervoroso. A peça é ótima, José Karine, tem um domínio meticuloso das palavras, controlando a ironia, o humor, conduzindo o público com maestria. Peter Boos e Raphael Manheimer, o seguem de perto com registros bem diferentes. O cenário, a luz, a trilha e a duração seguem o tom equilibrado que a direção imprimiu. O Banqueiro Anarquista é um tratado didático sobre filosofia política, disfarçado de teatro, habilmente dirigido. Merecemos vê-la em cartaz por mais tempo. Edvard Vasconcellos

Morada dos ossos, 23/04/2013

"Lá fora o Sol ainda brilha sobre Lisboa", seria um belo título, que talvez aproximasse mais o público da triste e emocionada peça MORADA DOS OSSOS, em cartaz no Solar de Botafogo, aos sábados e domingos, as 18h. Uma história densa e bem escrita, talvez, curta demais, mas bem executada, bem cantada, poética, bela maquiagem, bela luz, com figurino estranho, com interessantes elementos de cena. O cachorro é uma obra de arte, investir nisso aliás, seria uma aposta cenográfica bem mais instigante e ousada. É uma cena árida, triste e melancólica, como um fado, sem muitos coloridos, mas muito dolorida, angustiada. Com pouco humor, mas é difícil tirar humor de algo tão devastador quanto a solidão. A peça parece que fala de uma pessoa, mas num belo "golpe teatral", nos fala de outra. Um narrador que é a vida, um cachorro multiplicado e todo o resto que remete a morte. Ainda assim, é bonito de se ver, de se ouvir. E nessa luta inglória, passiva e de final inexorável a morte vence a vida na história que nos é contada, mas a vida vence a morte na história que é vivida, e é simples: a vida não sucumbe à morte, porque há esperança. A peça dói sim, como um fado, como uma facada na barriga, como a morte de alguém, mas no fim, como uma brisa leve, passa a esperança e alimenta o Sol que ainda brilha sobre o céu de Lisboa. A solidão não é só um estado de espírito, é o destino daqueles que teimam em deixar para morrer por último. Mas se engana quem supõe que deixar a vida antes dos outros é solução para alguma coisa, pelo menos é o que eu suspeito. Bela peça, difícil também, em todos os sentidos.

OUTSIDE, 26 de junho de 2011

OUTSIDE, 26 de Junho de 2011
“Quando eu gosto de uma peça de teatro, eu dou parabéns. Quando eu não gosto de uma peça de teatro, eu dou parabéns”. Outside é uma experiência diferente. Homem-arte, Homem-bomba. Apesar das três horas de espetáculo, apesar de o público “boiar” em muitas referências a Pop art, Body art, Theodore Adorno, Peggy Guggenheim e ao universo do próprio David Bowie, elemento que costura toda a obra, há algo de crucial nesse delírio teatral que é fazer pensar quais são os limites de tudo isso? Há limites para Arte? O que é propriamente Arte?
Questão que parece pretensiosa, e é mesmo, sobretudo quando exposta num palco, encenado como uma peça qualquer. Não, não é uma peça qualquer. Pretensiosa e arrogante, mas por que não? Qual o problema em ser pretensioso? Arrogante ou não, pouco importa, o fato é que hoje, no afã de “acertar”, de não “fazer feio”, por medo de errar (como se fosse possível não errar), ou pelo pragmático e compreensível medo do prejuízo financeiro, pouco se vê no teatro ousadia, pouco se vê no teatro pessoas dispostas a assumir riscos reais, e o espetáculo em cartaz no teatro do Jardim Botânico faz isso. Até exagera. Mas como controlar o impulso criativo? E, será que preciso fazê-lo? Afinal, qual o limite da arte? Qual o limite do corpo? O que é verdade? O que é mentira? Mutilação, morte, suicídio são de alguma maneira, Arte? O que são crimes de arte? “I don’t Know, I’m Sorry”.
Há algo de muito intrigante na peça, mas há também uma supervalorização das referências do público, que, de certa forma pode “amarrar” a peça em viagens “googlelíticas” pós-peça, pós-baixo-gávea em seus lap tops 3G. Pra que teatro? Por que teatro? E, nesse sentido a peça parece uma obra de transição, e o é, de fato.
Na necessidade de se reinventar, o teatro vem tentando, na maioria das vezes de forma insatisfatória, incorporar as novas mídias, mesmo que não sejam tão novas assim. O teatro brasileiro, ao menos, tem utilizado em larga escala, microfones, computadores, música eletrônica, vídeos, telões etc para tentar dar formas teatrais a essa parafernália tecnológica em que se transformou a contemporaneidade. Vem tentando também, isso há mais tempo, faça-se justiça, dialogar com o cinema e com a performance (esta, uma arte prima-irmã do teatro, nascida no século vinte), com as artes plásticas, sobretudo depois do advento da “instalação”, trilhando caminhos confusos, indecisos, por vezes brilhantes. Não que a peça seja brilhante, não é, mas é interessantíssimo ver o diálogo, numa arena teatral, dessa imensa quantidade de elementos estranhos a um teatro mais, digamos, tradicional. É um grande e fantástico laboratório de experiências artísticas, como a personagem que usa o próprio corpo como suporte para sua arte o teatro tenta transcender o próprio espaço teatral para reinventar.
Curioso também ler nas entrelinhas a crítica a idéia de que hoje há conceito para tudo, e há mesmo. Marylin, Norma Jean, pode não ser uma mulher, basta que ela seja um conceito. Tudo é indústria, tudo é absorvido pela indústria cultural, mas tudo tem que ser bem e claramente conceituado para cenário, figurino, luz, movimentos dos corpos dos atores em cena (sempre me pergunto se há atores fora de cena?). Quem já teve ou tem que lidar com projetos de arte, geralmente para conseguir subsídios sabe do que estou falando. Mas em cena ainda somos os mesmos, atores, e atores fazem a diferença. Mas são tantas parafernálias conjugadas com o trabalho do ator que hoje há direção de arte, direção de movimento, direção musical, direção geral, eventualmente pode haver mais diretores do que atores numa peça de teatro. Não há mais autor e sim dramaturgista, ou dramaturgs para quem o mundo não cabe mais na pena de uma só pessoa, para quem já não bastam intérpretes e sim, parceiros, e sim diálogos que se reconstroem sucessivamente até se chegar a um texto, que ainda é e continuará sendo creio uma leitura específica de mundo, só que agora de um mundo não mais pessoal particular, mas coletivo, um coletivo de particularidades. Ao mesmo tempo há um desprezo absoluto pela economia de gestos, pelas histórias simples, pelo aristotélico e aparentemente “ultrapassado” começo, meio e fim; o Caos se tornou o nosso Zeus contemporâneo, tudo é Caos, tudo é Quântico, tudo é Relativo. É o fim dos tempos para aquela regrinha do Hitchock que dizia que caso aparecesse uma espingarda no alto de uma lareira, ela necessariamente teria que ser usada. Mas faz sentido, pois são tantas informações, pequenas ou grandes, relevantes ou não, são tantos “infocaminhos” a percorrer nessa Matrix que o espetáculo já não se encerra em si mesmo, não acaba ao cair o pano (expressão antiga e cada vez mais em desuso, visto que poucos teatros preservam as cortinas em sua boca de cena), ao contrário, o espetáculo continua nessa circunavegação “googlemaníaca” que fazemos todos os dias por prazer, por vício ou por dever de ofício.
Outside faz tudo isso, ou tenta. Às vezes de forma bem-sucedida, às vezes não, mas tenta e isso é o que importa. Como descobrir algo novo, sem o risco? Como descobrir o fogo, sem se sujeitar a algumas queimaduras? Difícil? Difícil. Complicado? Complicado. Espetáculo longo, nada delicado, que não se completa no palco, mas que te move para a internet, que te move para entender avidamente tudo o que ficou no vácuo do conhecimento.
Pode ser arrogante, que a gente corre atrás e empata, ou supera. Que delícia de jogo esse do Teatro. Que delícia de jogo esse da Vida! Outside, i´m inside. (i try, i try...)

Os Visitantes, Priscila Gontijo

Os Visitantes trata da impossibilidade das tardes de domingo à dois. Um texto difícil na estrutura, que se propõe a explorar a vida de um casal, que se descobre mais tarde, não teve coragem de se arriscar aos domingos chuvosos de visitas permanentes que não permitem que estejam eles a sós nunca, e que só alimentam o tédio de sua relação. A companhia do outro já não é possível, pois eles não têm o que dizer a si próprios.
Assistindo ao espetáculo, há algo de estranho na estrutura dramática. Direção e autora parecem estar seguindo direções opostas, ou pelo menos não muito paralelas. Quando parecemos estar diante de um drama realista, duro, seco, opaco, somos levados a acreditar que estamos diante de uma peça típica de uma “escola” teatral conhecida como teatro do absurdo em que uma verborragia quase ininterrupta nos impede de raciocinar e prestar atenção nos detalhes da vida daquele casal, onde o que sobram são apenas palavras, palavras e mais palavras com os outros, nunca olho no olho, entre eles. É um espetáculo estranho, diferente, curioso, corajoso, em que ambos os atores demonstram muita segurança no palco e são plenamente capazes de preencher os vazios provocados por essa “gangorra estética” gerada entre texto e direção.

Estilhaços, Eduardo Wotzik

Diferente do que se vê por aí. Os primeiros 15 minutos te pegam de surpresa, depois a gente já sabe o que vai acontecer, mas aí fica de olho no que é dito, que é o mais importante nessa peça. As vezes bate forte, as vezes nem tanto, e no final duas frases não me saem da cabeça e olha que faz uma semana que assisti: a última (engraçadíssima) e uma outra que se repete algumas vezes durante a apresentação (que te derruba). Mas fiquei com a impressão de que o preço afasta o público, mesmo com estacionamento grátis.

Mente Mentira, Sam Shepard

Mente Mentira.

Um pouco longo, difícil de acompanhar se se está com sono, ou cansado, mas teatro é para ser pensado, mastigado, discutido e, de preferência turbulento, definitivamente não se presta a função de fazer relaxar aqueles que vêm de um dia intenso de trabalho e só querem se divertir. E essa peça cumpre esse papel.

A idéia central da peça em que todo o comportamento humano é representação é comum na filosofia, mas na dramaturgia nem tanto. Muitos tentam, poucos conseguem e o Sam Shepard é um dos que conseguem e bem, basta ver "Paris Texas!". Salve Malvino Salvador pela coragem de se arriscar num personagem tão difícil, de trazer o texto para o Brasil e de compor uma equipe de tão alto nível.

LABIRINTO , Qorpo Santo

LABIRINTO, em cartaz na arena do SESC Copacabana. Como quase tudo que vejo nesse espaço, a arena propriamente não é utiilizada. Confesso que fui por ter amigos no elenco, por respeitar profundamente o trabalho do Moacir Chaves, mas não teria ido pelo autor, Qorpo Santo, pois havia lido algumas peças dele e não gostei de nada, vi algumas encenações para as peças dele e nenhuma sequer deu "pano pra manga". Mas, lá fui eu ver "meus amigos" e qual não foi a minha surpresa ao assistir a um interessantíssimo espetáculo teatral, na qual a teatralidade, o jogo de cena e o humor era o que havia de mais importante. Para quem acompanha a trajetória do diretor, é possível perceber um imenso amadurecimento no que toca a um ponto chave em sua digamos "pesquisa pessoal" que é centrada na voz e suas potencialidades rítmicas e de intensidade. Fora isso, vi uma conjugação de imagens muito bonitas e ao mesmo tempo risíveis de tão patéticas. O elenco enorme, incomum para os atuais dias de "vacas magras", é bastante homogêneo, e, cenário, luz e figurinos são adoráveis e remtem a década de sessenta do século vinte, período em que a obra do autor foi redescoberta. Mesmo assim os quatro atos de "as relações naturais" conseguiram me irritar um pouco.